《阿尔弗莱德·希区柯克——迷魂记》（以下简称《迷魂记》），是一款互动电影式游戏。如果你曾经玩过，或者云过Telltale的《奇异人生》、Quantic Dream的《底特律变人》等一系列的类似作品，那么你应该很快就能想象出《迷魂记》的大致玩法框架。

就游戏性而言，《迷魂记》并没有太多出挑之处。不像《行尸走肉》，《迷魂记》没有太多所谓的剧情分支，整体流程完全单线，游戏的重复游玩价值少之又少。而且，《迷魂记》的叙事节奏传统而缓慢，心理惊悚的情节表现力因人而异，单论游玩体验的话，并不如《奇异人生》《超凡双生》等主题鲜明的视觉系作品。

流程10小时左右

在《迷魂记》里，玩家能做的事情不多，步行模拟、环境调查、对话选择、动作QTE，几乎涵盖了所有的可互动操作。甚至连背包、笔记等一系列跟调查相关的玩法，也一并交给了脚本剧情。如果要给所有互动电影式游戏的“电影化程度”排个表，那么像《女巫布莱尔》这样的作品，明显只是偏向电影叙事化的动作解谜游戏，而这类游戏的另一个端点，就是《迷魂记》。

在《迷魂记》之前，我个人了解到的最为电影化的游戏，是《暴雨》。事实上，单纯从制作层面来看，《迷魂记》跟《暴雨》有着诸多的相似之处。两者都选用了悬疑惊悚类的剧情主题，同样都有用摇杆QTE模拟人物动作的小设计，整体流程也大概都是角色群像之间的交叉“剪辑”。

当然，《暴雨》作为所有新世代电影互动游戏的源点，《迷魂记》会有诸多雷同之处，也算不上什么蓄意的巧合。但这也说明游戏确实了无新意，缺乏玩法上的可取之处。如果说在《行尸走肉》里，你还可以杀杀僵尸，在《奇异人生》里，你还可以拍拍照片，那么在《迷魂记》里，你就真的只是坐在电影院里，拿着手柄看大屏幕而已了。

不过，《迷魂记》也不至于完全没有自己的玩法特色。由于本作的主题之一是心理治疗，玩家扮演的心理医师Julia Lomas，会通过催眠一类的心理治疗手段，挖掘被病患掩埋在潜意识深处的真实记忆。治疗过程中，玩家可以进入患者的深层记忆，调查那些被患者主动或被动遗忘的细节。

具体来说，《迷魂记》中的心理治疗过程，很像是《赛博朋克2077》里的超梦，玩家可以在一段深层回忆中快进或者倒带，找出一段最为关键的记忆，对周遭的环境进行调查。调查期间，玩家可以像普通流程中一样，在记忆场景中自由移动，挖掘各种环境信息。但很可惜的是，作为游戏中的主要玩法循环，挖掘深层记忆的重复度很高，其中也没有任何的谜题元素可言。充其量，只是一个推动叙事的提词器而已。

好在，《迷魂记》的声画表现与交互设计等等的硬件水平，在一般工业水准之上。虽然不及Telltale、Quantic Dream等业界翘楚，但比之同类型的独立作品，《迷魂记》无论是在画面卖相，还是在随之带来的游玩沉浸感上，都显得相当扎实。整体游玩下来，体验十分流畅，不会有太过粗制滥造的地方，会让你感到出戏，或者是被恶心到。对于一款互动电影式游戏而言，这基本也就足够了。

开放场景

封闭场景

当然，如果以致敬改编的角度来看，《迷魂记》的美术与配乐风格，几乎完全是为了希区柯克的原著，量身打造的。如果你跟大多数感兴趣的玩家一样，看中的是标题里的希区柯克，那么《迷魂记》大体不会让你失望。虽然算不上所谓的“完美还原”，但本作基本继承了原作的精髓，没有任何内核上的偏离。

首先配乐上，《迷魂记》的背景音乐全部都是现场录制的管弦和声，其中有不少都是希区柯克电影的配乐变奏，整体风格与早年电影的舞台剧配乐非常接近。同样的，《迷魂记》也使用了老电影中常见的“米老鼠式配乐”，电影的声效与画面的结合度很高。角色身处不同的环境，或者遭遇突然的事件时，配乐的风格会发生急速的变化，能带给玩家很强的戏剧观感。

经典镜头，BGM拉满

但配乐的舞台剧化，也产生了一系列的问题。比如，大多数场景中的背景音乐都会重复播放多次，但由于管弦乐本身的存在感特别强，很快你就会因为某一段重复的旋律而感到出戏。相应地，对于剪辑严谨的电影来说，固定节点的蒙太奇是跟配乐切换相互锚定的，并不会导致这样的问题。这就好像你看一部电影，某个场景的BGM循环播放了好多遍一样，感官上非常的廉价与滑稽。

同样，游戏的画面表现，也出现了题材上的水土不服。

其中，过于“漫长”且频繁的加载界面，是《迷魂记》作为一款“电影化”游戏的最大弊病。之前提到，《迷魂记》的玩法框架是心理治疗，而心理治疗的过程需要在现实与回忆之间反复横跳。视回忆长短，每次读取场景都需要5秒到10秒的加载时间。想象一下，你正在观看《火影忍者》里的注水集，几乎通篇都是角色在闪回，结果每闪一次，屏幕就要白上5秒以上，闪回结束又白上几秒，那会是一种多么蛋疼的体验。

这种频繁出现的加载界面，对于电影的蒙太奇式叙事表达，非常不利。尤其是在切入关键剧情的时候，5秒钟的加载时间不止会切断响当当的背景音乐，让周遭陷入一阵安静的尴尬，还会一刀切断你对故事与人物的情感代入，让你感觉自己确实就是个置身事外的看客。

当然，加载慢的问题也算情有可原，毕竟《迷魂记》是冲着电影的视听感受来的，他的镜头语言比同类型的互动游戏，要复杂很多。除了最常见的对话正反打之外，《迷魂记》中还出现了大量的主观窥视、俯视远景、画幅拼接等等的特殊运镜，这些运镜画面都会涉及到额外的场景加载。优化上的妥协，几乎是必然。

而游戏最终的视听效果证明，这些妥协在大体上，还是值得的。

希区柯克变焦

刁钻的主观视角

复杂运镜

大场景垂直运镜

除了影视化的运镜，游戏《迷魂记》还传达了原作的另一项独特视觉语言——“色彩”。

上世纪60年代，色彩对于电影来说，还是非常烧钱的东西，好钢要用在刀刃上。现在的电影常用统一色调的滤镜，给电影镀上一套色系，好让画面更加干净整体。老电影则正好相反，画面布景尽量干净整洁，色调反而要大胆，要有所寓意。

拍摄于1958年的《迷魂记》，正是色彩应用的教科书级作品。

电影《迷魂记》中，颜色代表着对应的心理特征，红色代表热爱，但也意味着偏执与疯狂，绿色代表沉稳，但也象征着绝望与不安。当角色陷入极端情绪时，画面会被单一的色调侵占，让观众从视觉上产生被害的不适感，从而引发特定的情绪波动。早期的恐怖惊悚类电影，很多都会采用这样的配色，如《阴阳路》系列、《活魔人》等。

在游戏《迷魂记》中，同样出现了不少以色彩渲染画面情绪的视觉语言，而且往往出现得恰到好处，确实有希区柯克的用色

疯狂

绝望

混乱

最后，该说说最重要，也是最没得可聊的剧情了。

《迷魂记》的同名原著电影（Vertigo），是心理恐怖类型片大师——阿尔弗雷德·希区柯克的作品。作为此类型影片的开山鼻祖，希区柯克的作品为大量后世的心理恐怖片、悬疑惊悚片，提供了一个从概念到技法的完整蓝图。

《迷魂记》的电影原作，讲述了一个有关自我定义、身份认知以及情绪投射的成长故事。希区柯克以一种特定的心理现象——眩晕症（Vertigo）作为意象，探讨了人类个体在面对来自外界社会的复杂定义时，所产生的身份认同危机。在1958年上映的《迷魂记》中，希区柯克使用了开创性的视听语言，表现出了恐高者在高处时所感到的眩晕、腿软等主观感受，并将之与个体心智在群体中的失序表现，进行了巧妙地挂钩。

在电影中，罹患眩晕症的主角，是一位中年警探。因为在高处目睹了同事的坠亡，这位名叫John Ferguson的警探得了非常严重的眩晕症，一旦来到高处，就会眩晕昏厥。严重的心理障碍与自责情绪，使得John只能提前过上了退休生活。然而，一起离奇的命案夺走了John的至爱，使他再度陷入了彻底的迷茫。

游戏的故事主轴，同样是一位眩晕症患者的心路历程。

游戏《迷魂记》的主人公Ed Miller，是一位畅销小说作家，他的童年非常不幸，母亲和妹妹死于车祸，目睹父亲跳桥自杀之后，年幼的Ed患上眩晕症。在后续的成长过程中，Ed逐渐形成了偏执的人格，他变得愈发暴躁，时常缺乏安全感。游戏刚开始，刚成家不久的Ed又遭遇了一场车祸，童年悲剧再度重演，让他的生活陷入了彻底的混乱。

从剧本结构来看，无论出于时代局限，还是题材体量，本作都有着显而易见的优势。10个小时的流程，保证了人物形象的立体性，也让情节有了更多的发展空间。游戏的线索时间更长，涉及的角色群像更多，同时，情节也没有从自我窥视的主题中抽离出去，交叉叙事的逻辑顺序合理，没有任何剧情漏洞。剧情中，串联全片的“麦高芬”也不在少数，甚至某种意义上，希区柯克大师自己就是其中之一。

右上角彩蛋

抛开其他不谈，至少剧情方面，《迷魂记》确实紧扣了电影的精神内核。

总的来说，《迷魂记》是一部相当合格的粉丝致敬作品，它尽其所能，尝试用电子游戏的表达形式，还原出了属于电影的质感。这是它最大的优点，但也是最大的问题所在。作为一款游戏，《迷魂记》几乎没有属于自己的玩法特色，相反，过度的影视化，大大拖慢了游戏的整体节奏，使得整个游玩体验变得十分黏稠。

对于一部老电影而言，这样的叙事节奏或许没有问题，但对于游戏而言，这显然就不太合适了。Telltale会给自己的游戏分章节，控制单次游戏的体量，也不单纯只是在偷懒坑钱。

个人认为，虽然电子游戏是融合了电影、游戏等等的综合艺术表达，但这并不代表电子游戏就可以全面沿用其他文艺作品的创作思路，我们还是会需要一些属于电子游戏自己的东西。

至少，也请先做到好玩吧。